Y para comenzar este nuevo año, y estos nuevos propósitos, no podría comenzar por otra artista que no fuese la americana/mexicana/canadiense, Lhasa de Sela, fallecida el 1 de enero de este año, de un cáncer de mama, que ya le había obligado a anular su gira europea este mismo otoño.
Lhasa nació cerca de Woodstock (Nueva York) hace 37 años; su padre era un escritor mexicano y su madre una fotógrafa americana, y se pasó gran parte de su infancia viajando entre los Estados Unidos y México en un viejo autobús escolar convertido en casa ambulante. A los 13 años ya cantaba en algunos cafés de San Francisco.
La primera canción que escuché de Lhasa fue “De cara a la pared”, canción con la que empieza su primer disco, La Llorona, editado en 1997. La canción, intensa, triste y melancólica, valiente, no te deja indiferente, y enseguida reconoces que detrás de esa canción hay una artista diferente, que como su voz, es poseedora de una sensibilidad especial. La llorona nos recuerda a México, a cantinas, a ese canto profundo de artistas como Chavela o Lila Downs, que van directos del corazón del que canta al corazón del que escucha.
Lhasa siempre fue por libre, o más bien, por su propio camino, en el que ella creía, sin entrar en el mainstream musical. Por eso tardó 6 años en publicar un segundo disco (The living road), y lejos de hacer un disco igual que el anterior y que tan bien había funcionado, este segundo álbum mezcla el inglés con el francés y con el castellano con canciones que van desde la chanson hasta el country. Eso sí, la voz de Lhasa no pierde nunca ni intensidad ni profundidad ni esa tristeza que parece llegarle de siglos atrás.
Después de esto tardó otros seis años más en publicar un tercer álbum, llamado simplemente Lhasa. Un álbum grabado en directo, sin metrónomo ni máquinas sino con el sonido del directo, como ella quería que sonase, y cantado totalmente en inglés, en el que nos encontramos con una Lhasa tal vez menos dramática que en sus anteriores álbumes; un disco más folk y más jazzero pero en el que Lhasa no deja de ser ella misma, porque nunca dejo de serlo, reconocible siempre en su sensibilidad a la hora de cantar y de hacernos llegar una melodía.
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sr.berro
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Hace tiempo que vengo dándole vueltas al tema de crear un nuevo blog dedicado exclusivamente a la crítica musical, que como ya sabéis los que pasais por aquí alguna vez, tampoco sería muy diferente a lo que he venido haciendo hasta ahora. De momento, como es año nuevo, y como con él llegan una gran cantidad de propósitos, como no voy a apuntarme a un gimnasio, como de momento no tengo pensado dejar de fumar, volveremos a Instantaneas con mayor asiduidad, con una mayor número de críticas, más largas y serias que las que había venido haciendo hasta ahora. Así que sin más, desearos a todos un feliz año y espero veros de nuevo por aquí, por mi parte, como veis, con nueva cara y unas ganas reforzadas de escribir.
Mulatu Astatke es un vibrafonista etíope de cerca de setenta años. Tal vez algunos lo conozcan por una canción suya que aparecía en la Banda Sonora de la película de Jim Jarmush, Broken Flowers, y que es la que se corresponde con el video, pero el sr. Astatke es uno de los más grandes músicos etiopes del último siglo. Se dice que Jim Jarmush se quedó tan impresionado al escucharlo, que escribió el guión de la película para acompañar a esta música. Para los desconocidos de la música africana, destacar que Etiopía es uno de los países más ricos musicalmente de Africa, con una escena jazzistica muy importante. Y allí, Mulatu Astatke, es el padre y gran referente de lo que se conoce como Ethio-Jazz, que es la mezcla de sonidos propios de Etiopía con el jazz. Existe una colección muy recomendable llamada Ethiopiques, con más de veinte albumes, y en la que se resume buena parte de esta escena musical. El volumen 4 de la colección está exclusivamente dedicado al sr. Astatke. Para los más interesados, el viernes día 9 de Octubre, podrán verlo en la Sala Heineken de Madrid. Yo solo espero que alguien me lo cuente.
Siguiendo o evolucionando con el estilo musical del anterior post, nos vamos al Reino Unido de finales de los 70 y el revival de ska y reagge que se produjo en este país con dos grupos estandartes: Madness y los que más me gustan a mi, The Specials. Su disco más famoso grabado en el 79 fue "The Specials", y son todo versiones de temas clásicos de reggae y ska, "A message to you, ruddy", "Monkey Man" o "Concrete Jungle". Pero hoy os pongo el video de "Ghost Town", canción propia grabada en el año 81. Personalmente recomendaría especial atención al juego de voces que hacen los tres cantantes y frontmen de la banda. Una auténtica maravilla, sí señor, para volver con energía a esta ciudad fantasma.
Los Wailers en estado puro, en su mejor momento,en su mejor disco, con su mejor formación. si tuviera que hacer una lista de esas que tanto le gustan a los norteamericanos, que todo lo clasifican, este tema estaría sin dudarlo entre los cinco mejores. La versión que he puesto es de una grabación en la BBC inglesa en el año 1973, cuando ya no existían los Wailers propiamente, sino Bob Marley and the Wailers, y se nota en la falta del sr. Peter Tosh a la guitarra y la sustitución de su grandioso solo por el teclado, pero aún así.... Larga vida a los Wailers, al reggae...y a las vacaciones!
Este artista brasileiro de casi 70 años, es autor de canciones tan míticas y conocidas como desconocido es su personaje. Por mi parte ese ya es un gran dato de este hombre sencillo, que en su momento era repudiado por los más puristas de la bossa y la samba, pues resultaba demasiado innovador, para acabar convirtiéndose finalmente en uno de los artistas más influyentes del último siglo en Brasil. Su primer gran éxito fue Mais que nada, que aquí popularizó Sergio Mendes, pero no es el único: Tah Majal, que tal vez por el nombre no conozcáis pero escuchadla y decidme cuantas veces habéis movido vuestros huesos al ritmo de esta canción, País Tropical, Chove Chuva, o la del video, que se llama Filho Maravilha, en la que describe un gol, pues en su momento el sr. jorge ben, como buen brasileiro, también quiso ser futbolista. Y no se le daba mal al hombre, pero alegría para nuestros oídos que lo dejase para dedicarse a la música y componer canciones tan grandes como las que ha hecho. Samba con funky con reagge con bossa...Sabéis de lo que os hablo, no? Que no? Pues ponla otra vez!
Asa es la nueva revelación que ha llegado hasta mis oídos este verano. Pura fusión africana con reagge, blues, soul, funky, pop... Nacida en París, hija de nigerianos, regresa pronto a Lagos donde vive hasta los 20. Aprende a tocar la guitarra en la capital nigeriana, pero es en París donde lanza su carrera, ficha por Naive, importante discográfica francesa, y saca su primer albúm llamado "[Asha]", que es la forma correcta de pronunciar su nombre. Desde pequeña se cría escuchando a los señores Marley, Fela Kuti, Marvin Gaye... todos presentes en su forma de interpretar. Música suave para días de mucho calor.
Un camino bastante habitual en la música a la hora de versionar una canción, es hacer la versión electrónica, introduciendo unas bases, repitiendo estrofas... José Gonzalez es un músico nacido y criado en Suecia, pero de padres argentinos, y es el que le ha dado la vuelta a la tortilla, haciendo una versión acústica de una canción inicialmente hecha con bases electrónicas. Teardrop, del disco Mezzanine de Massive Attack, uno de los temas más emblemáticos de la banda de Bristol tocada en acústico. Un verdadero lujo, si señor.
Checkpoint Rock es el documental que ha dirigido Fermín Muguruza, que por si aún existe alguien que no conozca a este hombre, es el cantante de grupos tan míticos como Kortatu o Negu Gorriak, fundador del sello Esan Ozenki y una de las figuras más importantes de la escena musical vasca de las últimas décadas. En los últimos tiempos se ha dedicado a grabar un documental con la ayuda de Javier Corcuera, director de documentales como "La espalda del mundo", sobre la música en Palestina. Una preciosa película que presenta la escena palestina, más allá de las noticias que nos llegan cada día, de cómo se buscan la vida los artistas palestinos para luchar contra el bloqueo israelí, para alzar la voz por encima del muro que los separa de su tierra, de lo que hablan en sus canciones, de sus referencias artísticas y musicales... Un documental muy interesante que pude ver en la despedida del festival de cine de Lavapiés, y que recomiendo altamente desde aquí a todo el que tenga posibilidad de verlo. Como introducción hasta ese momento, escuchar las canciones que han colgado en el myspace, donde se encuentran practicamente todos los temas de la película.
Comienza aquí una nueva sección de este blog, en la que iré haciendo mis críticas de libros, discos y conciertos. Nada nuevo, pero llevado a una sección espero que un poco más constante y seria que lo que he venido haciendo últimamente.
"Kiko Veneno volvió a los escenarios madrileños como sólo artistas de su talla pueden hacerlo. El de Figueras le dio la vuelta al stablishment musical establecido, ese de componer, grabar, vender discos y ya por último girar. El se ha dedicado a componer para pasar directamente a los escenarios, sin grabar previamente y sin haber vendido ni un solo disco. En casos así lo más sorprendente es encontrarse una sala llena, pero Kiko lo consiguió. Tal vez de público despistado esperando los clásicos Joselito y compañía, o tal vez de un público fiel que sigue la carrera de este artista haga lo que haga.
En ningún momento dejaron de oírse entre el público gritos pidiendo temas clásicos, pero Kiko no venía a Madrid a repetir repertorio, sino a presentar uno nuevo. Temas que no defraudaron, siguiendo por un lado el camino que había tomado en “El hombre invisible”, de canciones más maduras, como puede ser la canción que da nombre a la gira “Dice la gente”, que tiene un sonido nuevo para Kiko, pues suena a blues del desierto, a sahel. Por otro lado, no olvida ese lado canalla e irónico que siempre le ha caracterizado, en rumbas más clásicas del autor, como el “Mosquito suicida” o la “Rumba de la crisis”, con la que terminó su presentación de los nuevos temas. Y en medio de estas dos líneas, como gran amante de las versiones, introdujo su propia versión traducida de I am the walrus, de los Beatles. Le acompañó en algún tema su amigo Tomasín, con quien ya compartió formación en G5, pura fibra en el escenario para animar el concierto, pero que musicalmente no supuso una gran aportación.
Llamó la atención la falta de bises, pero Kiko está en otra onda, rompiendo con lo que se supone que tiene que ser una gira y un concierto. Se trataba ayer de un actuación más pensada como una obra de teatro que como un concierto festivalero, en la que finalmente no defraudó al público que se había acercado a escuchar algún clásico, y acabó tocando cinco temas de su extensa discografía, finalizando con el famoso "Volando voy", coreado por todo el público de la sala.
Hay quien se queja constantemente de que la industria musical ya no funciona como antes. Otros, como se pudo comprobar de nuevo ayer con el señor Kiko Veneno y su banda, se reinventan constantemente."
