Después de bastante tiempo escribiendo en esta página he decido, una vez más, mudarme. Sí, ya sé que para algunos puede que sea un poco lioso por si seguíais el blog por las rss tener que cambiar, pero como nadie escribe nunca por aquí... en fin, que espero veros a todos en el nuevo blog al que he podido pasar todas las entradas anteriores que habíais leído con ferviente pasión aquí.
Ahora que tanto se habla del sr. Eli "Paperboy" Reed como ese blanco con voz de negro, creo que ha llegado el momento de hablar del sr. James Hunter. Para el que no lo conoce sólo decir que este hombre es algo más que un guitarrista y vocalista británico blanco y cuarentón. Lleva más de veinte años en la música, y aunque nunca ha sido de jugar en grandes ligas, tiene una de las mejores voces del soul británico, como dijo de él el sr. Van Morrison. Lleva más de veinte años en la música, pero hasta la publicación de sus dos últimos álbumes nadie conocía a este inglés, y aún hoy en día, aunque ya ha tocado por aquí varias veces, no se escucha mucho su nombre.
Su gran pasión es la música de los cincuenta y sesenta y a eso se dedica, a hacer grandes canciones que suenan añejas. Rythm&Blues, soul, blues...Su voz recuerda en muchas ocasiones al gran Sam Cooke, aunque en otras bien podría ser un viejo bluesman o el propio Van Morrison, que al escucharlo por primera vez, se enamoró de su voz y decidió llevárselo consigo de gira, participando en la grabación del álbum grabado en directo "A night in San Francisco", en el que el propio Hunter canta y toca la guitarra, y en "Days like this", grabado en el estudio el año siguiente.
Después de eso el sr. Hunter se separó de su protector y siguió su carrera en solitario con más pena que gloria, hasta que un productor se lo encontró tocando en Candem en la calle y decidió grabarle un disco. En 2006 publicó "People gonna talk" que llegó a estar nominado a los Grammy como mejor disco de blues tradicional, y un par de años después sacó al mercado el que es para mí su mejor disco, "The hard way". Una verdadera joya, sí señor.
Sé que después de la primera banda de reggae ruso que os puse se abrieron un montón de puertas en vuestra vida a una nueva forma de ver los países de la antigua unión soviética. Que no? Pues Markescheider Kunt, de los que ya hablé no hace mucho, no son los únicos. Un grupo del que tenía un cd perdido desde hacía un montón de tiempo, procendentes de la vecina Ucrania, también se mueven por estos estilos más propios del caribe que de la gélida estepa.
5'nizza, que quiere decir viernes en ucraniano, son un duo procedente de Cracovia. Estuvieron en activo desde el 98 hasta el 2007, y aunque actualmente ya no existen como tal, su vocalista forma parte de otra banda llamada SunSay, de un estilo muy parecido, pero con más instrumentalización, dejando el lado acústico de 5'nizza. Me recuerdan al verlos en el vídeo a los tan laureados Calle 13, pero a lo ruso, y en la forma de cantar y en las melodías al trío francés, y valga la redundancia, Tryo.
Reggae con toques latinos, a veces bosseros, un poco de hip-hop, y mucha guasa. Un verdadero vozarrón el del sr. Sun y mucha, mucha, energía, para empezar el fin de semana.
Hace tiempo que no hablo de diseño, y hablo solo de música, pero hoy me he encontrado este vídeo y quería compartirlo con todos vosotros. El gran Isidro Ferrer, del que ya hablé por aquí hace mucho tiempo, vuelve con un vídeo de presentación, que él mismo utilizó en una conferencia dada en Tokyo.
Un verdadero maestro y referente. Un artista de los pies a la cabeza, aunque a veces pierda el sombrero.
Para los que puedan disfrutarlo, porque cada vez son menos los que pueden contar con un trabajo, justo cuando llegan los peores datos de los últimos años, y para los que no pueden disfrutarlo también, feliz primero de mayo a todos, y que mejor que hacerlo con un poco de música de la buena.
Hechos contra el Decoro con su estilo siempre propio, diferente, combativo desde los barrios proletarios de Madrid. Un grupo que marcó una época con su mezcla de reagge y hip-hop, señalando la capital del Estado como un lugar donde también se hacía música mestiza, y demostrando que no era algo exclusivo de Euskadi, que era el sitio más activo allá por los noventa. Quince años después de su formación, siguen sonando como si fuesen una banda actual sin perder frescura, pues aún no he escuchado nunca nada parecido ni de la calidad de lo que hacían el sr. Ruso y compañía. Para mí, también por la época en la que surgieron, se han quedado como uno de los mejores grupos que ha salido de este país en las últimas décadas.
Desde Portugal, directamente desde la ciudad de Lisboa, crisol de culturas donde el multiculturalismo ya existía antes de que por estos lares pudiesemos hacernos a una idea de lo que eso significaba, ha nacido una nueva banda, hija una vez más, del sonido iniciado en los años 70 por el sr. Kuti. Por cierto, los que este fin de semana se queden en Madrid tienen la oportunidad de ver a uno de los hijos del afrobeat, el sr. Femi Kuti, en la Sala Riviera, con toda una fiesta de ese funky africano que no va a dejar quieto a nadie de los que se acerque por allí. Yo como no voy a poder ir, espero escucharlo por Radio3 en su retransmisión el domingo por la noche o en los podcasts.
Pero a lo que íbamos. Desde Lisboa, Cacique 97, haciendo un afrobeat de raíces, con músicos africanos y portugueses, y con ciertos toques brasileños (el primer tema de su primer y único álbum es una versión de otro grande, el brazuca Jorge Ben). Claras influencias de Fela y Tony Allen, batería del grupo liderado por el primero, y con un disco en el mercado, con una edición cuidada y mezclado en París por Sodi, responsable de entre otras grabaciones de artistas de la talla de Thievery Corporation o Keziah Jones.
Porque no sólo de Terrakota vive el país vecino, una nueva propuesta musical que esperemos que se acerque por este lado de la frontera en algún momento, aunque ya se sabe que no es camino fácil cruzar esa línea imaginaria que nos separa, pues los mencionados Terrakota, grupo abanderado del multiculturalismo residente en Portugal, tardaron muchos años en acercarse por Madrid, cuando en Portugal eran de sobra conocidos por todos los públicos.
Como no sé si es posible encontrar el álbum por aquí, sólo decir que está en Spootify.
Volvemos como vuelven los Fabulosos Cadillacs a tocar por estas tierras. La historia de los Cadillacs no voy a volver a contarla por aquí, porque ya la he contado y porque vosotros seguro que os la sabéis mejor que yo, así que sólo anunciar, como había quedado pendiente, que vuelven a tocar por aquí. Concretamente con una única fecha, que es lo que más me extraña de todo, con la de ganas que se les tiene, en el festival ViñaRock el sábado que viene.
Me parece bastante extraño que después de tantos años sin pasarse por este lado del charco, vengan solamente a un festival, en el que pasarán bastante desapercibidos entre las multitudes de chavalada que no se yo si los conocerá. No creo que sea su público objetivo, pero en cambio llenarían cualquier sala de este país sin ningún problema si hiciesen una gira como dios manda. No sé, me tiene un poco mosca el tema y más que nada porque me encantaría verlos y no creo que tenga la voluntad de irme a Villarrobledo a tragarme el festival entero, pues no se puede comprar una entrada para un único día, sino solo el abono completo.
No sé yo, si alguien tiene más noticias....
El vídeo es solo para ver lo que me voy a perder como no vaya!
Un poco de autobombo, que pa eso estamos aquí. Dicen que necesito tu voto. Bueno, os explico. Me presenté al concurso de carteles del día de la música, y seleccionan 25 gracias a la puntuación de la gente y otros 25 un jurado. Me imagino que no sirve de nada esto, porque al final eligirán el que a ellos les guste y punto, pero bueno, que no sea porque no lo he dicho.
Sunny es tal vez una de las canciones más versionadas de la historia y una de mis preferidas también. Ahora que empezamos unos días de vacaciones, ¿qué mejor que una música ligera para dejarse llevar?
Compuesta originalmente en el año 1966 por Bobby Hebb, ha sido grabada e interpretada por innumerables artistas. Desde James Brown a José Feliciano, pero yo me quedo con la versión del sr. Robert Mitchum, que entre pistoletazo y pistoletazo en sus películas del oeste le daba tiempo al hombre para grabar sus discos, entre los que cuenta con esa joya de álbum dedicado al calypso y llamado "Calypso is like so".
¿Vosotros que decís, si es que hay alguien ahí? Os dejo el enlace a la original, a la versión de James Brown que es impresionante como solo el sr. Brown puede conseguir, otra muy buena también del sr. Jamiroquai y por último una de la señorita tan admirada aquí también Dusty Springfield. Y es que la lista es infinita: Stevie Wonder, Frank Sinatra, Ella Fitzgerald, Cher...
Seguro que alguna de estas os parece mejor, pero es que Robert Mitchum me tiene ganado el corazón y no soy parcial.
A los teclados con un sonido hammon clásico, Mikel Azpiroz, músico basco que ha tocado con Fermin Muguruza o los australianos The Waifs, a la bateria el parisino, Franck Mantegari (Alpha Blondy, Massive Attack, Saint Germain...) y con la guitarra el americano Matt Harding, del que ha hablado bien gente como Taj Mahal, han formado este sorprendente trío con nombre de crema solar, Elkano Browning Cream. Un verdadero lujo de músicos que se conocieron en Estados Unidos y grabaron su primer álbum nada menos que en Shangai en 2006. Esta misma noche presentan su segundo largo en los Conciertos de Radio3, y mañana podremos verlos en la sala Juglar de lavapiés, aunque si alguien no puede, tienen más fechas preparadas en Madrid y otras ciudades.
Funky retro en formato trío, con toques de jazz, música africana, reagge, folk... en definitiva, mucho groove hecho con la elegancia del que sabe hacerlo.
Y esta vez de la mano del sr. Will Holland, alias Quantic, y más concretamente con su banda, Quantic Soul Orchetra. Al sr. Quantic todo amante de la música negra, y sobre todo de la música negra de pista de baile, conoce y admira porque es uno de los nombres más importantes de la escena actual.
El hombre no puede pararse quieto y está metido en mil y un berenjenales. Se dio a conocer por su trabajo como compositor de música negra electrónica a los 20 años. Tiempo después decidió darle vida a sus composiciones, y formó la Quantic Soul Orchestra, en la que toca la guitarra, el bajo y la percusión. Casi nada. Esta vez solo música negra tocada en vivo, sin samplers, al más puro estilo clásico de soul y funk, aunque con el tiempo han ido introduciendo otros sonidos como el blues, la cumbia o el bugalú, y a los que suele acompañar a las voces, Alice Russell. Hace tres años publicaron su tercer álbum.
Pero si todo esto aún os pareciera poco, el sr. Quantic tiene otro proyecto, The Limp Twins, pero eso es otra historia, aunque para él parece que todo sea una, y los días le duren más que a los demás. Bueno, eso sin mencionar la cantidad de remezclas que ha producido y todos los clubs de todo el mundo en los que ha pinchado.
Os dejo un video con la canción que abría su primer album, Stampede, un homenaje a aquellas películas y series de los setenta como Starsky & Hutch, y que me recuerda en también al tema "Shaft" de Isaac Hayes. Vamos, una verdadera declaración de intenciones.
Mencionaba el viernes a propósito del gran rey del swing, Benny Goodman, al vibrafonista que le acompañaba en algunos de sus mejores álbums, el afroamericano Lionel Hampton. Entre otras cosas, a parte de formar parte de una de las mejores bandas de swing de la historia y ser uno de los primeros músicos negros en compartir escenario con músicos blancos, el sr. Hampton nos hizo un regalo para la historia al darle cuando apenas tenía 5 años unos palos de vibrafono a un niño que con el tiempo se convertiría en uno de los más importantes vibrafonistas americanos, el señor Roy Ayers.
Nacido en 1940, hijo de músicos, no empieza a tocar hasta los 17 años aquel instrumento que el sr. Hampton le había regalado de pequeño, pero pronto le entra el gusanillo y se pone a tocar jazz en diversas bandas de California. En los setenta deja un poco este estilo y se interesa más por otros como el funky, haciendo alguna banda sonora para películas del blaxpoitation. En el año 1980 publica un álbum con el sr. Fela Kuti llamado "Music of Many Colors", después de ser su telonero en Nigeria en una gira el año anterior. El disco se reeditó de una extraña manera en el año 2001 con el nombre "Upside Down/Music of Many Colors", en el que se unen dos grabaciones diferentes. Una, Upside Down, que es una colaboración del Black President original, no el sr. Obama, con una cantante y activista afroamericana llamada Sandra Akanke Isidore, y la segunda, con dos temas del álbum original de "Music of Many Colors".
Sigue sacando discos aún hoy en día, (Ubiquity. 2009), pero su canción más conocida seguramente sea, así como también la más versionada, "Everybody loves the sunshine", grabada en 1976. No tiene muchos videos, por lo que os dejo este sin imagenes, del álbum de 1980 en colaboración con el nigeriano y padre del afrobeat, el sr. Fela Kuti.
Un verdadero temazo de afrobeat del bueno llamado "2000 blacks go to be free", compuesta por el sr. Ayers.
Para empezar el fin de semana con un poco de ritmo os presento, al que no lo conozca claro, a Benny Goodman, conocido como el rey del swing.
Nacido en la ciudad de Chicago hace cien años, Benny Goodman fue el rey del swing compitiendo seriamente por ese puesto con Glen Miller y Artie Shaw, en la época dorada de este estilo, en los años treinta y cuarenta, cuando todo el mundo bailaba en las pistas al ritmo del swing. Es conocido también por hacer la primera actuación pública de una banda multirracial, con músicos blancos y negros, como el gran vibrafonista Lionel Hampton.
Escuchar aunque sólo sea esta canción, "Sing, sing, sing", que aparece entre otros en el álbum "The Benny Goodman Story", banda sonora de su propio biopic, grabada en 1956, cuando él aún estaba vivo, lo que no muchos creo yo que puedan contar, y protagonizada por Steve Allen en el papel de Benny Goodman.
Little Joy es un grupo "californiano" de pop/folk de melodías contagiosas, y con muy buena onda, como dirían unos que yo me sé. El grupo se formó cuando se conocieron en un festival en Lisboa el brasileño Rodrigo Amarante, cantante y guitarrista, que anteriormente tocaba con el grupo de indy rock brasileño Los Hermanos, y Fabrizio Moretti, batería de la banda neoyorkina The Strokes, y decidieron formar un nuevo grupo en el que dar cabida a estilos que no tocaban con sus respectivas bandas.
Un año después Amarante viajó a California a colaborar en el disco "Smoky Rolls Down Thunder Canyon" de Devendra Banhart, de los que por cierto aún no he comentado nunca nada y tal vez sean uno de mis grupos preferidos, y allí los músicos se reencontraron, se incorporó una californiana a los teclados y coros llamada Binki Shapiro, y nació este proyecto, que los trajo por aquí hace unos meses al festival Primavera Club, aunque no tuve el placer de verlos.
Os dejo el video de "Next Time Around" con el que comienza su álbum de debut, y como siempre digo, esperemos verlos de nuevo por aquí.
Vuelven, como vuelve este blog, el trio neoyorkino Fun Lovin Criminals con un nuevo disco, "Classic Fantastic", 5 años después de su último albúm grabado en directo, y con canciones nuevas. Regresan haciendo lo que tan bien saben hacer, esa mezcla de hip-hop con rock con un toque a soul blanco y de música lounge, y todo con esa estética gansgter neoyorkina. El señor Huey Morgan, ese hombre que parece no tener ganas de cantar, y al que se le puede ver cantando, fumando y tocando la guitarra todo a la vez, y os lo digo por experiencia propia, con los teclados y trompeta de Fast, y una elegante batería, que es el tercer miembro que completa el trío pero que no termina de encajar nunca en el grupo, pues ya han pasado unos cuantos.
El duo más uno se ha instalado en Londres, donde su excéntrico cantante presenta varios programas de televisión, y donde parecen haber reencontrado la tranquilidad para hacer un nuevo disco. Tal vez algunos los recordéis por el tema "Love unlimited" que fue la canción que mayor pegada tuvo por aquí hace ya unos años, y que les valió como pasaporte para tocar en algunos festivales, como el Espárrago Rock de 2001 o 2002, que ya no recuerdo, y donde aquí un menda pudo verlos.
Comienzan ahora una nueva gira, y esperemos que vuelvan por aquí. Hasta el momento solo he podido escuchar los dos primeros temas del disco. Todo comienza con un "Fun Lovin Criminals are the shit" en la voz eléctrica del señor Stephen Hawkins en la canción Mars, para continuar con la canción que da nombre al disco "Classic Fantastic", pero las críticas hablan de un regreso tan esperado como trabajado, y en el que se incluyen temas que van desde ese rock con hip-hop de los primeros discos, a canciones que llegan al reagge.
Ya os contaré más cuando caiga en mis manos el disco. De momento, os dejo con el video de presentación, y que suena, como no, y que bien que así sea, a Fun Lovin Criminals.
Para darle un poco de energía a este día gris y pesado, ya no sólo en el cielo sino también en el curro y en la cabeza, os presento al sr. King Khan, que parece sacado de una película de Bollywood, pero a lo macarra.
Los conocí el año pasado no sé muy bien cómo, pero desde un primer momento me entusiasmó su forma de mezclar punk/rock con funky, y todo lleno de una potencia impresionante.
Banda de Montreal pero afincados en Berlín, King Khan destaca además por ser uno de esos cantantes freakis donde los haya, que si le pillas en un buen día te alegran el concierto. Ya estuvieron en Madrid hace un par de años, pero no tuve oportunidad de verlos (más que nada porque no los conocía aún).
Una voz desgarradora, bases guitarreras muy garajeras y una sección de vientos impresionante son su sello inconfundible, aunque muy inspirados, o por lo menos admiradores incondicionales de otro loco del free-jazz americano del que ya hablé por aquí hace mucho tiempo, llamado Sun Ra.
Hace unos años, cuando utilizaba el last.fm como programa para escuchar música nueva, antes de conocer y existir el gran spootify, un ruso, que vaya usted de donde salió, se hizo amigo mío y de vez en cuando me recomendaba discos de grupos de reagge ruso. Insólito pero cierto, como cierto es que hay bandas muy buenas de ritmos latinos y jamaicanos.
El que más me impresionó fue este, Markscheider Kunst. En su momento conseguí el disco y lo escuché bastante, pero hacía tiempo que no lo reescuchaba. Y la verdad es que merecen la pena. Típica banda de ska con buenos vientos, guitarras, percusión y batería...pero de St. Petesburgo, mezclando reagge, con ska, con ritmos latinos. Eso sí, en ruso, aunque a veces se atreven con algún coro en castellano. Llevan desde 1992 tocando, con siete discos publicados y en 2002 fueron incluso teloneros del sr.Manu Chao.
Nace aquí una nueva sección de duos insólitos, en los que dos artistas de estilos muy diferentes se juntan para intrepretar un tema en común. Y para comenzar, este pedazo de duelo llevado a cabo por dos monstruos: el gran James Brown y Luciano Pavarotti interpretando la canción "It's a man world".
La cita fue en Modena, Italia, en 2002, en el concierto humanitario organizado por el tenor, y llamado "Pavarotti and Friends", y al que acudieron entre otros, Sting, como no, y Lou Reed.
Me perdonaran los puristas, pero James Brown le da mil vueltas al italiano.
Uno de los artistas que acompañaron a la citada Cat Power en la grabación de su último disco era el baterista de una banda de funky llamada Booker T. & MG's. Y menudo funky el que hacían.
Su sonido es conocido como Memphis Soul (MGS son las siglas de Memphis Group) y labraron su carrera en los años 60 y 70 en el famoso sello Stax, participando en grabaciones de artistas de la talla de Otis Redding, Wilson Pickett o Carla Thomas, para luego seguir su carrera en solitario.
El teclado inconfundible del sr. Booker T. Jones, con unas guitarras desgarradas, un bajo melódico pesado y un ritmo imparable son su sello. Tal vez una de las mejores bandas de funky soul instrumental de la historia.
Su primer gran hit fue Green Onions, que es el tema del vídeo, de 1962. La canción es brutal y el vídeo no se queda corto, con el señor Booker T, con tan sólo 17 años, haciendo uno de los temas más famosos de la banda. Personalmente me toca más la fibra Melting Pot, del disco del mismo nombre, por ser el primero que escuché suyo hace muchos años, pero este también es un temazo.
Ahora que lo pienso, ya era hora de dedicarles un post a estos monstruos.
El otro día, a parte de poder presenciar mi primer desayuno musical, con músicos tocando en directo desde primera hora de la mañana, aunque nosotros ya llegasemos para tomarnos una cervecita casi a mediodía, la artista que pudimos ver me recordó mucho a Cat Power, de la que llevo desde entonces reescuchando sus últimos discos y descubriendo los primeros que aún no conocía.
Después de sacar unos cuantos discos oscuros en los que se nota más que nunca que es amiga de Steve Shelley, batería de Sonic Youth, de los que por cierto hay una exposición estos días en esa cuna de la civilización llamada Móstoles, se decantó más por álbumes intimistas y sencillos que era los que yo ya conocía, como The Greatest, y el último publicado en 2008, Jukebox, en el que recoge versiones de diferentes temas más o menos clásicos, como puede ser la canción New York, pero no esperen reconocer el tema original. Ya lo había hecho anteriormente en The Covers Records, y con Jukebox volvió a demostrar su particular forma de interpretar y de hacer versiones que no se parecen en nada a las canciones originales, dándoles una vuelta de tuerca que termina por hacer los temas suyos.
Os dejo la versión de New York, con los Dirty Delta Blues, y ya me decís si os recuerda en algo a la de Frank.
Nuevo vídeo de Gil Scott-Heron de presentación de su nuevo álbum de título, bastante irónico por cierto, "I'm New Here", que saldrá en breve al mercado. Vuelve con su dureza al lado más crudo, después de muchos años sin publicar ningún disco y metido en mil y un problemas. Vuelve el abuelo del rap haciendo lo que mejor sabe hacer a sus 60 años. Vuelven los black panther, pero esta vez en skate.
Gil Scott-Heron, poeta y escritor, luchador empedernido de la causa afroamericana, empezó su carrera en los años 70. Su segundo álbum, "Pieces of a Man", tal vez uno de los mejores de su carrera, aunque tiene unos cuantos bien buenos, contiene el tema "The revolution will not be televised", en el que critica duramente la sociedad de consumo americana y que si escucháis, enseguida os daréis cuenta perfectamente de por qué le llaman el abuelo del rap. En los teclados cuenta ya con Brian Jackson, con el que grabaría unos cuantos discos, como "Winter in America", que merece un capítulo aparte, por su alto contenido de crítica social en las letras de Gil, y por esa mezcla de jazz con funk y soul, que continuarían haciendo en discos como "The First Minute of a New Life".
A principios de febrero podremos escuchar el nuevo disco, producido por el dueño de la discográfica que lo publicará, XL Recordings, que cuenta entre sus grupos a artistas de la talla de Devendra Banhart, Radiohead o Gotan Project.
Hay quien dice ya que será de los mejores discos de la década. No sé si será un poco pronto para predecir esto, pero la cosa, tratándose de quien se trata, os aseguro que promete y que dará mucho que hablar.
No creo que haya mucho que decir ni del sr. Hendrix ni de Crosstown Traffic, una de mis canciones preferidas de ese pedazo álbum llamado Electric Ladyland.
Los Fabulosos Cadillacs han vuelto a sus andadas. Otra vez. Después de su anunciada vuelta en 2008, publicaron un nuevo álbum llamado La Luz del Ritmo, en el que mezclaban temas nuevos con algunas revisiones de canciones clásicas de la banda como Malbicho o El genio del dub, que está entre mis temas preferidos de la banda argentina. A finales del año pasado, aparte de la publicación de un disco homenaje hecho por bandas latinoamericanas llamado Como te esperaba, título extraído de la letra de la canción Vos Sabes, han publicado un nuevo disco: El arte de la elegancia de LFC. Otra vez reúnen algunas canciones míticas, esta vez Contrabando de Amor o Surfer Calavera, con temas nuevos. Más de lo mismo, vamos. Los temas suenan mejor por una mejor producción, con mejores arreglos, pero pierden frescura.
La luz del ritmo, el álbum publicado en su regreso jugaba con estos propios covers, renovando los temas, dándoles un nuevo aire, como en Basta de llamarme así, que pasó de ser una canción tristona de esas que tanto le gustan a Vicentico, a ser un reggae / calypso, con un hammond tremendo y unos arreglos vocales mucho más trabajados. Con El arte de la elegancia de LFC, en cambio, creo que ya se las ido de las manos, y el versionarse una vez más se ha convertido en puro negocio fácil.
Pero vamos al caso que nos viene hoy a cuento, porque entre las canciones de este útlimo está una versión de Move on up del gran Curtis Mayfield.
Os dejo las dos versiones, y que cada uno piense lo que quiera. Yo, que me siento verdadero admirador de los dos, me quedo con la original. Me gusta la voz de Vicentico, pero la del sr. Mayfield...
La historia de Taj Mahal comienza como la de muchos otros artistas yankees, cantando gospel en una iglesia presbiteriana, para luego introducirse en otros estilos tan variados como el blues, el soul o lo que hoy podríamos denominar como world music. Su primer grupo lo forma en los años 60 en Los Angeles con el tantas veces mencionado aquí Ry Cooder, pero no dura mucho, y cada uno sigue su carrera hasta hoy en día. Pero todo ese camino, más de 40 años y más de 20 discos, es una larga historia que necesitaría de mucho tiempo para contarla.
Uno de mis álbumes preferidos es "Taj Mahal meets the culture music club of zanzibar", y sobre todo el primer tema, "Dhow Countries", un blues africano de una intensidad impresionante, pero el tema del día es esta aparición del sr. Taj Mahal en el especial "Rock&Roll Circus" hecho por los Rolling Stone para la televisión británica durante dos noches en diciembre del 68, aunque finalmente nunca fue emitido. El espectáculo estaba pensado como un circo, pero lo más destacado fueron los artistas que se juntaron. Además de los Rolling Stone, aparecieron en escena John Lennon, The Who, Eric Clapton... La canción interpretada por Taj Mahal fue Gimme Some Lovin', al más puro estilo sureño, que recuerda incluso a la Creedence.
Pero el verdadero encuentro de esa noche fue la banda inventada para el momento Dirty Mac que contaba con el elenco ta vez más impresionante de la historia del rock: John Lennon, Keith Richards, Eric Clapton y Mitch Mitchell de la Jimi Hendrix Experience y grabaron solamente un tema, Yer Blues, que es el segundo del White Album de The Beatles. Casi nada.
Los que algún día tuvimos la oportunidad de conocerla, ella era esa abuela que todos queríamos tener y a su lado, era como si fuese tuya, por su propia grandeza, tan chiquitita chiquitita.
Hoy va por ella, por esa vida tan intensa que ella vivió, y por todas esas historias que nos quedarán grabadas en la cabeza para siempre, porque su voz no morirá nunca mientras haya quien la recuerde y quien la cuente.
The Campbell Brothers es el grupo compuesto por los cuatro hermanos Campbell, y que tocan un estilo que ellos mismos definen como "sacreed steel", que es una mezcla de la música gospel de las iglesias afroamericanas con "electric steel guitar", esas míticas guitarras hawaianas, tocadas de forma horizontal con varias puas en los dedos y un slide, pero llevadas al blues americano.
Y a toda esa mezcla es a lo que suena. A blues con soul y gospel mezclado con esas guitarras de sonido tan característico. Los he conocido por un disco publicado en 2005 con John Medeski, el teclista y componente de "Medeski Martin & Wood", uno de los más famosos grupos de jazz experimental, llamado "Can you feel it?".
Un verdadero lujo de colaboración para un verdadero lujo de disco, cuya segunda pista, "The judgment", es la del vídeo, aunque en este no aparezca Medeski.
La semana pasada, después de mucho tiempo, pude ver por fin la película dirigida por Tarantino en 1997, Jackie Brown, la siguiente que grabó después del éxito de Four Rooms y Pulp Fiction y seis años antes de estrenar la primera parte de Kill Bill.
La película comienza con un plano secuencia impresionante de la actriz Pam Grier, musa del blaxpoitation, ese género de los años 70 dirigido a la comunidad afroamericana, lleno violencia y también de mucho funk.
La canción que le acompaña en todo el plano es "Across 110th Street" de Bobby Womack, y con la que Tarantino homenajea, por no decir copia, ese estilo blaxpoitation de los 70, porque existe otra película, del año 72, llamada como la propia canción (Across 110th Street), sobre una banda de gangsters que quiere hacerse con el control de Harlem, y protagonizada por Anthony Quinn y que comienza con ese mismo tema. ¿Copia?, ¿homenaje? Ahí queda eso, y que cada uno saque sus propias conclusiones.
El autor e intérprete de la canción, Bobby Womack, comenzó su carrera muy joven, casi podríamos decir que al estilo Jackson 5, cantando con sus cuatro hermanos (Womack Brothers) canciones gospel. Después de escucharlos una noche, Sam Cooke los sigue para grabar un disco con ellos, y es entonces cuando comienzan a llamarse The Valentinos, dejando ya por fin la música religiosa. Graban un par de álbumes, pero el que más éxito les da es "It's all over now" que en 1964 sería versionado por los Rolling Stone, convirtiéndose en su primer número uno en las listas británicas. Después de la muerte de Sam Cooke el grupo se separa y Bobby sigue su carrera en solitario. Graba y compone para artistas como Wilson Pickett y acompaña como guitarrista a músicos como Janis Joplin o Sly & The Family Stone.
Una voz al más puro estilo soul, y "Across 110th Street", sea la banda sonora de una película o de otra, un verdadero lujo de canción.
Este miércoles volvieron los nuis a La2 con su tercera temporada. El celebriti rescatado para el inicio de este nuevo año, fue el gran director de orchestra Luis Cobos. La parodia giraba en torno a sus grandes discos, populares allá en los años 80, pero también, a sus grandiosas portadas.
Siguiendo los consejos de un amigo desganao, os dejo hoy, para empezar el fin de semana con un poco de buen humor, con esta otra bonita colección de portadas de discos, con la que seguro que más de uno váis a disfrutar. Lo dicho, a pasar un buen fin de semana!
Para ir terminando esta semana soulera, si os habéis contagiado de toda esta música y ahora lo único que queréis hacer es mover vuestros huesos a este ritmo, hoy tenéis una gran oportunidad.
La Boca del Lobo, local madrileño especializado en música negra, cumple esta noche 13 años de existencia y qué mejor que celebrarlo con un buen concierto. Han traído para ello a Lefties Soul Connection, un colecivo holandés de soul y funk mucho más potente y oscuro, que según ellos no tratan de hacer simplemente un "revival" sino adaptar nuevos sonidos, mezclándolo con mucha psicodelia, hip-hop, rock, garage... Un hammond potente, unos rifs guitarreros, y mucho soul, al estilo de bandas míticas como The Meters o Booker T.&The MGs, entre los que reconocen ellos mismos como sus principales influencias.
Si véis el vídeo os podéis hacer una idea perfectamente de lo que os hablo.
Es empezar con un estilo y ya no puede uno parar, así que os podéis imaginar lo que toca. Pero esta vez un poco de soul hecho en Europa, que también se hace, y se hizo, concretamente soul irlandés, y más concretamente con "The Commitments", la película de 1991 de Alan Parker, director también de la opera rock "Pink Floyd, The Wall", sobre una banda de soul en Dublín. El protagonista es un chico de un barrio obrero de la capital irlandesa que quiere montar un grupo, y elige el soul porque: "Los Irlandeses somos los negros de Europa; los Dublineses somos los negros de Irlanda; y los del Barrio Norte somos los negros de Dublín". Cine social irlandés al más puro estilo del inglés Ken Loach, mezclado con un musical. Tal vez no sea una película técnicamente buena ni original en ningún sentido pero, sobre todo para alguien que ha tocado alguna vez en un grupo, la película llega porque muestra perfectamente cómo es todo ese proceso de creación, de entusiasmo y de ilusión de hacer algo en conjunto, y también, como no, todas las tensiones y decepciones que pueden venir luego.
No sé cuantas veces habré visto esta película, es más, durante una época era una de esas que siempre me ponía cuando no tenía nada mejor que hacer. Eso ha cambiado bastante hoy en día porque con todas las páginas de descarga que existen o de visionado instantáneo, uno se puede ver una película diferente cada día. Hasta no hace mucho, (¡toma comentario viejuno!), con el VHS, tenías unas cuantas en casa grabadas de la tele (lo mejor era cuando te habías parado a darle al pause cuando empezaban los anuncios) y al final repetías un montón de veces las mismas, por no bajar al videoclub y coger una nueva. Sabéis de lo que os hablo, ¿verdad?, pues The Commitments era una de esas.
Ayer, después de mucho tiempo, cayó en mis manos la Banda Sonora de la película, que nunca había tenido, y es puro soul del bueno. Una voz desgarradora, unas coros melódicos, una buena sección de vientos...
El film, considerado como una de las mejores películas irlandesas de la historia, cuenta en su banda sonora con temas como "Mustang Sally", popularizada por Wilson Pickett, "Change of Fools", por Aretha Franklin, "Mr. Pitful" de Otis Redding, o la que he enlazado en el vídeo "The dark end of the night", de Dan Penn y Chips Moman, y que es un verdadero temazo.
Siguiendo con la sesión soul de los 70 de ayer, volvemos hoy al mismo estilo, pero al hecho hoy en día, porque hay cosas que nunca mueren. Sharon Jones parece una artista de esa misma década prodigiosa del funky/soul de Tina Turner. Nacida en los años 60, no empezó a grabar hasta los 90, pero el carácter de su voz tiene una clara referencia a ese época dorada. Incluso las portadas de sus discos evocan a esos años, especialmente a los discos del mítico sello de soul Stax.
Le acompañan a Sharon Jones los Dap-Kings, banda de estudio de la discográfica independiente neoyorkina Daptone, especializada en funky, soul y afrobeat, que cuenta entre los grupos más destacados a The Budos Band (banda de afrobeat con reminiscencias de música etíope y con clara referencia al no hace mucho mencionado aquí, Mulatu Astatke), The Daktaris (grupo también de afrobeat en el que tocan algunos miembros de los grandes Antibalas) y como no, la gran Sharon Jones. Dap-Kings han sido además la banda de estudio de artistas como Amy Whinehouse.
Sharon Jones empezó su carrera grabando unas segundas voces para el grupo Soul Providers del ya extinto sello Desco, que posteriormente se convertiría en Daptone, e impresionó de tal forma a los productores que decidieron grabar en aquel disco una canción sólo con ella. En el 2000 el sello Desco desapareció y el grupo estrella del mismo, los Soul Providers, se fueron a la nueva discográfica formada por Gabriel Roth, ex lider de Desco, y formaron los Dap-Kings. Fue en 2001 cuando grabaron su primer LP en la Sala Boite de Barcelona (“Dap-Dippin with Sharon Jones and the Dap-Kings”), del que se publicaron muy pocas copias, pero que tuvieron un gran recibimiento por parte del público. Hasta el año 2005 no grabaron su segundo LP, Naturally, un disco clásico de soul con temas tan brillantes como “How long do I have to wait for you?”
En octubre de 2007 publicaron su tercer álbum, “100 Days, 100 Nights”, con el conquistaron a todo el público con un nuevo disco lleno de soul de los 70. En la portada del disco vemos a la propia Sharon Jones al más puro estilo seventies.
Tal vez estemos en la época de la historia que más ha mirado hacia atrás, al revival, a rescatar sonidos antiguos y hacerlos actuales. En estilos como el soul o el funky han salido infinidad de grupos imitando el sonido de los 70, olvidado durante muchos años en vinilos gastados, han aparecido cantidad de recopilatorios de bandas actuales como "Soulshaker" y en todas las ciudades hay salas que pinchan este estilo. Por eso, sí quieren señalar a alguien como culpable, miren a grupos como los Dap-Kings y la propia Sharon Jones, que son de los que tienen más culpa de todo esto, por hacérnoslo creer.
En el año 1971, Ike y Tina consiguieron su mayor éxito comercial, ganando un Grammy y un número 4 en las listas americanas, gracias a una versión. El tema había sido grabado hacía justo un par de años antes, en 1969, por el grupo de los hermanos Fogerty, la Creedence Clearwater Revival, y habían alcanzado un número 2 en las listas de Billboard.
La canción parece ser que se trata de un homenaje al río Misisipi, a los barcos de vapor que circulaban por él ("Proud Mary" es uno de ellos) y a los músicos de esta zona de los Estados Unidos, entre Nueva Orleans y Memphis, que tocaban muchas veces en estos barcos para ganarse la vida.
Lo que me parece más curioso de todo es el poco tiempo que pasó entre una grabación y la otra, y el éxito que tuvieron ambas. Sin duda, se trata de unas las mejores canciones de los californianos, y sin duda también es una versión inigualable cantada por una voz insuperable.
El propio John Fogerty, que sigue tocando hoy en día en solitario (estuvo en Madrid este verano) después de muchos años sin cantar nada de la Creedence, volvió a tocar algunos de los clásicos de la banda y decía que si no la tocaba él, todo el mundo pensaba que Proud Mary era una canción de Tina Turner.
Eso es lo que pasa cuando se hace una buena versión.
Este año la noche de Reyes, la Sala Gruta77 de Madrid se convirtió en una pequeña sede jamaicana, con un especial de Reggae/Ska/Dub. Los grupos alemanes Dr. Ring Ding y Sensi Simon llenaron de calor la fría noche madrileña. El trompetista alemán Sensi Simon, que ha tocado acompañando a artistas como Laurel Aitken, Rico Rodríguez, Alton Ellis… empezó a calentar la noche con la banda que le acompaña en España, The Golden Singers Band, formada por algunos miembros de Malarians, con una buena sesión de Ska Jazz. Pero el artista al que todos esperaban era el cantante y trombonista, Dr. Ring Ding, famoso sobre todo aquí por su etapa con The Senior Allstars, con los que publicó un par de discos, entre ellos el más conocido, Dandimite!, considerado uno de los mejores discos del estilo de los 90. Venía acompañado por una banda catalana, The Ranking Soliders (teclados, bajo, guitarra y batería), y la voz incomparable del Dr. Ring Ding, que demostró por qué es uno de los artistas más reconocidos en Europa de este estilo. Lleva desde 1987 tocando en bandas de ska en Alemania, desde El Bosso & Die Ping Pongs, una de las bandas pioneras del estilo en el país teutón, hasta acompañando a artistas de la talla de Derrick Morgan, Denis Alcapone o bandas como The Toasters o The Skatallites. No dejó a nadie indiferente, y ya no sólo por su presencia física (alemán rapado de cerca de cien kilos, que parece sacado de una concentración de los Ángeles del Infierno), sino sobre todo por su voz poderosa y la cantidad de registros que posee, que van desde lo más melódico en algunos reggaes, hasta lo más rudo cuando se pasa a estilos como el Dancehall. Fue un concierto al estilo clásico jamaicano, como los del propio Laurel Aitken, donde la banda se queda en un segundo plano, y casi llega a parecer una soundsystem, siendo el cantante el que lleva todo el peso del concierto. Le faltó si cabe una mayor presencia de vientos (Dr. Ring Ding sólo tocó el trombón en un par de temas, y en el resto fue el teclado el que llenó este espacio), que sólo pudo verse cuando se subieron al escenario Sensi Simon con su sección de vientos para tocar algunos temas clásicos, como fue la última canción del concierto, Dandimite Ska. Al finalizar el concierto, aparte del roscón de reyes, sesión de reggae, calypso, ska… es decir, todo lo que se puede esperar de una buena noche jamaicana navideña.
Pd. El vídeo pertenece a una colaboración que Dr. Ring Ding ha hecho recientemente con The Seniors Allstars tocando el trombón
Y para comenzar este nuevo año, y estos nuevos propósitos, no podría comenzar por otra artista que no fuese la americana/mexicana/canadiense, Lhasa de Sela, fallecida el 1 de enero de este año, de un cáncer de mama, que ya le había obligado a anular su gira europea este mismo otoño.
Lhasa nació cerca de Woodstock (Nueva York) hace 37 años; su padre era un escritor mexicano y su madre una fotógrafa americana, y se pasó gran parte de su infancia viajando entre los Estados Unidos y México en un viejo autobús escolar convertido en casa ambulante. A los 13 años ya cantaba en algunos cafés de San Francisco.
La primera canción que escuché de Lhasa fue “De cara a la pared”, canción con la que empieza su primer disco, La Llorona, editado en 1997. La canción, intensa, triste y melancólica, valiente, no te deja indiferente, y enseguida reconoces que detrás de esa canción hay una artista diferente, que como su voz, es poseedora de una sensibilidad especial. La llorona nos recuerda a México, a cantinas, a ese canto profundo de artistas como Chavela o Lila Downs, que van directos del corazón del que canta al corazón del que escucha.
Lhasa siempre fue por libre, o más bien, por su propio camino, en el que ella creía, sin entrar en el mainstream musical. Por eso tardó 6 años en publicar un segundo disco (The living road), y lejos de hacer un disco igual que el anterior y que tan bien había funcionado, este segundo álbum mezcla el inglés con el francés y con el castellano con canciones que van desde la chanson hasta el country. Eso sí, la voz de Lhasa no pierde nunca ni intensidad ni profundidad ni esa tristeza que parece llegarle de siglos atrás.
Después de esto tardó otros seis años más en publicar un tercer álbum, llamado simplemente Lhasa. Un álbum grabado en directo, sin metrónomo ni máquinas sino con el sonido del directo, como ella quería que sonase, y cantado totalmente en inglés, en el que nos encontramos con una Lhasa tal vez menos dramática que en sus anteriores álbumes; un disco más folk y más jazzero pero en el que Lhasa no deja de ser ella misma, porque nunca dejo de serlo, reconocible siempre en su sensibilidad a la hora de cantar y de hacernos llegar una melodía.
Publicado por
sr.berro
a las
13:43 |
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Hace tiempo que vengo dándole vueltas al tema de crear un nuevo blog dedicado exclusivamente a la crítica musical, que como ya sabéis los que pasais por aquí alguna vez, tampoco sería muy diferente a lo que he venido haciendo hasta ahora. De momento, como es año nuevo, y como con él llegan una gran cantidad de propósitos, como no voy a apuntarme a un gimnasio, como de momento no tengo pensado dejar de fumar, volveremos a Instantaneas con mayor asiduidad, con una mayor número de críticas, más largas y serias que las que había venido haciendo hasta ahora. Así que sin más, desearos a todos un feliz año y espero veros de nuevo por aquí, por mi parte, como veis, con nueva cara y unas ganas reforzadas de escribir.
